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Ángeles Santos Torroella

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Ángeles Santos Torroella Ángeles Santos Torroella fue una pintora y artista gráfica española cercana a la generación del 27. ​Sus comienzos se relacionan con las estéticas del surrealismo y del expresionismo, pero manteniendo una cautelosa distancia fruto de la personalidad tan singular de la artista. Aunque más tarde apuntaría hacia un postimpresionismo de paisajes e interiores, la obra de Santos se caracterizará por una fuerte carga de expresión en torno al rol de la mujer en el contexto que le tocó vivir, y las sombras de misterio que aún nos claman, impetuosas, tras su muerte. El caso de Ángeles Santos es singular por su pronta madurez pictórica tras haber explorado diferentes corrientes estéticas. Para los especialistas en la obra de esta pintora difícil de clasificar, resulta determinante la influencia del Realismo Mágico que Franz Roh publica hacia 1925 y marcará a toda una generación. Otro viraje de su obra irá encaminado hacia la Nueva Objetividad y el expresionismo, recurrien...
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La estrambótica vida de Van Gogh

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Vincent Willem van Gogh Vincent Willem van Gogh (pronunciado Acerca de este sonido [ˈvɪnsɛnt fɑŋ'ɣɔx] (?·i); Zundert, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.1​ Pintó unos 800 cuadros (entre ellos 43 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 fueron para Theo; las otras son correspondencia con amigos y familiares.2​ Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de veintiséis años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, d...
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El Arte Pop

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P o p A r t    El Pop Art (o Arte Pop, hablemos con propiedad) no es un estúpido movimiento en el que los artistas se ponen a crear obra fáciles para un público lento. Si lo pensamos, es más bien un arte muy político, y muy consciente de la realidad de nuestra sociedad de consumo. Otra cosa es que te guste o no esa sociedad. Los artistas pop, en realidad, documentan lo que ven a su alrededor, con sus luces y sus sombras. Es, ni más ni menos, la manifestación plástica de una cultura que se caracteriza por varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología, el ocio, el consumo, las modas, la democracia… Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse. El arte, más que nada, es otro producto, y para un mayor rendimiento se puede producir en serie. Nuestra cultura es superficial, es inexpresiva e impersonal. Es repetitiva y saturante. Es casi una religión con sus iconos (logotipos publicitarios), sus santos (celebridades) y sus liturgias (consumir) que nos anestesia...
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El surrealismo

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El surrealismo André Breton fue el gurú del surrealismo. Poeta de vocación, se unió al dadaísmo, pero al perder fuelle este movimiento decidió que había que continuarlo mediante una base teórica sólida. Breton había sido camillero en hospitales psiquiátricos durante la guerra, y ahí conoció tanto la obra de Sigmund Freud como conoció la extraña realidad oculta tras la locura. Breton quería, con esa locura como herramienta, unir eso de Rimbaud de «cambiar la vida» con eso de Marx de «transformar el mundo». Nace así el surrealismo que según su líder «se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida». En principio, esta vanguardia, aún viva hoy en día, quería incorporar los conceptos psicoanalíticos de Sigmund Freud a la mentalidad D...
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El cubismo

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 El cubismo El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1917, creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard, Guillaume Apollinaire 1​Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino que es considerado la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. Guernica Pablo Picasso Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza co...
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El estilo rococó

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El estilo rococó En torno al 1797, Pierre-Maurice Quays bromeó sobre el nuevo arte uniendo las palabras «rocaille» y «baroque». La primera designa la ornamentación que imita piedras naturales y moluscos, la segunda, al barroco… Una vez más, un término peyorativo fue aceptado como el más eficaz por la historia del arte. Por supuesto, esta corriente existía desde antes de Quays, desarrollandose a lo largo del siglo XVIII por toda Europa, pero partió de Francia, cuna de este estilo. La aristocracia francesa se aburría. Y decidieron darle una vuelta de tuerca al barroco, haciéndolo más juguetón y frívolo, menos solemne que el de la época de Luis XIV. Esta corriente claramente hedonista buscaba la delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia. Todo era menos serio y más sentimental. Todo mucho más lúdico, acorde con una (alta) sociedad en busca de la felicidad. Es por eso que abunda el erotismo. El columpio Jean-Honoré Fragonard
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El impresionismo

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El impresionismo  La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que las partes inconexas dan lugar a un todo unitario (algo que años después demostraría científica y psicológicamente la Gestalt). Resumiendo, este movimiento se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a los colores que le rodean»), el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta manera las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta. Por ello, y a partir de los paisajistas de la escuela de Barbizon, los impresionistas se centraron en l...
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